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MEHA

 

 

 

 

 

 

 

MEM
Nazioarteko Arte Esperimentalen Jaialdia
Experimental Arts International Festival
Festival Internacional de Arte Experimental

Bilbao.
Azaroa - November - Noviembre 2018

Camiseta MEM 2018. Diseño de Mawa Tres. Precio 12 €. A la venta en exclusiva en Mongolia Gunea. Aretxaga Kalea, 2.

Visita a la exposición de MEM Exhibition Hall (Bailén 21), martes a sábado de 19 a 21 h y domingos de 12 a 14 h, o con cita previa llamando al 650 939 676

Algunos videos de MEM 2018. Some videos.

Program

Katalogoa / Catalogue / Catálogo

PROGRAMA MEM 2018ko EGITARAUA

MEM 2018 Ekitaldi nabariak / Highlights / eventos destacados:

Ostirala Viernes 2. 19 h.
CMD San Francisco. (Centro Cívico) Mariaren Bihotza Plaza Corazón de María.

Performance:
Gilvanka Kedzior (Iran / Francia) “Nice to meet you”
Bideo instalazioa / Video installation / Videoinstalación:
Khalil Charif (Brasil) “Inventory of time”

Gilvanka Kedzior “Nice to meet you”
https://gilivankakedzior.wixsite.com/gilivankakedzior

Gilvanka Kedzior “Pozten naiz zu ezagutzeaz”
(...) Harriaren ate nagusian jo dut. / “Ni besterik ez naiz, utzi sartzen. / Entzun dut badituzula zure barnean korridore huts zabalak, / ikusezinak, alferrik ederrak, / soinurik gabeak, inoren urratsen oihartzunik itzultzen ez dutenak. / Onar ezazu ez duzula zeure burua ondo ezagutzen”. / “Handia eta hutsa, nahiko benetakoa”, dio harriak, / “baina espaziorik ez dago. / Ederra, agian bai, baina ez zure zentzumen / zoritxarrekoen gustukoa. / Ni ezagutzera hel zintezke, baina ez nauzu sekula ezagutuko zeharo. / Azal osoa dut zugana bildua; / barnealdeak, zugandik ihesi”. (...)
Wislawa Szymborska, "Harri batekin solasean", Salt, 1962.

Performanceak hasierako itxura hartzeko prozesua kuestionatzen du hausnarketa gurutzatuan, bai eta emakume izateari lotutako zenbait paradoxa ere.

Conversation with a stone II
(...) I knock at the stone's front door. / "It's only me, let me come in. / I've come out of pure curiosity. / Only life can quench it / I mean to stroll through your palace, / then go calling on a leaf, a drop of water. / I don't have much time. / My mortality should touch you." /
"I'm made of stone," says the stone, / "and must therefore keep a straight face. / Go away. / I don't have the muscles to laugh." / I knock at the stone's front door. / "It's only me, let me come in. / I hear you have great empty halls inside you, / unseen, their beauty in vain, / soundless, not echoing anyone's steps. / Admit you don't know them well yourself." /
"Great and empty, true enough," says the stone. / "But there isn't any room. / Beautiful, perhaps, but not to the taste / of your poor senses. / You may get to know me, but you'll never know me through. / My whole surface is turned toward you, / all my insides turned away." (...)
Wislawa Szymborska excerpt from the poem "Conversation with a stone" translated from the Polish by Stanislaw Baranczak and Clare Cavanagh. Poems New and Collected: 1957-1997 Harcourt, Brace and Company Editors, USA (2002)


https://www.encyclopedia.com/arts/educational-magazines/conversation-stone

This performance questions in a cross-reflection the formation process of the first impression and certain paradoxes inherent to the condition of woman.

Curriculum vitae:
ARTA Contemporary Art Institute, Khorramābād, Iran; CREATurE Live Art: Performance and Live Art Festival, Kaunas, Lithuania; 3rd Berlin International Performance Art Weekend, Berlin, Germany; 1st MHPAB Morni Hills Performance Art Biennale, Chandigarh, India; IMAF 2015 - 17th Edition, Novi Sad, Serbia; R.surgences - 5th Edition, Paris, France; 15th OPEN International Performance Art Festival, Beijing, China; PRACOWNIA: Performance and Live Art in Warsaw, Warsaw, Poland; Festival ‘COTIDIANAS: una panor.mica sobre procesos creativos y feminismos’, Alh.ndigaBilbao, Bilbao, Spain; NUIT BLANCHE 2013 - FRASQ, Paris, France; 23rd Internat. Week of Theatre ARENA... of the young Arts, Erlangen, Germany

Gilvanka Kedzior "Encantada de conocerte"
Conversación con una piedra II
(...) Llamo a la puerta de una piedra. / --Soy yo, déjame entrar. Vengo por mera curiosidad. / Sólo la vida permite satisfacerla. / Quisiera pasearme por tu palacio, / y luego visitar una hoja y una gota de agua. / No me queda mucho tiempo. / Mi mortalidad debería ablandarte. /
--Soy de piedra-- dice la piedra--. / Imposible perturbar mi seriedad. / Vete, / no tengo músculos risorios. / Llamo a la puerta de una piedra. / --Soy yo, déjame entrar. / Me han dicho que encierras salas enormes y vacías, / nunca vistas y bellas en vano, / mudas, donde nunca han retumbado los pasos de nadie. / Confiésalo: ni tú misma lo sabías. /
--Salas enormes y vacías-- dice la piedra--. /
Pero no hay espacio disponible. /
Bellas, quizá, pero no para el gusto / de tus limitados sentidos. / Puedes verme, pero nunca catarme. / Mi superficie te da la cara, / pero mi interior te vuelve la espalda. (...)
Wislawa Szymborska fragmento del poema "Conversación con una piedra" Paisaje con grano de arena. Editorial Lumen, Barcelona (2005)

Esta performance cuestiona en un reflejo el proceso de formación de la primera impresión y ciertas paradojas inherentes a la condición de la mujer.

Khalil Charif “Inventory of time”
http://www.kcharif.blogspot.com.br

Khalil Charif “Denboraren inbentarioa”
New York hiriko metroan egindako bidaia batean jasotako plano sekuentziak jendartearen alde jakin bat ikertzen du, eraldaketa humano zein teknologiko sakonak dakarzkigun aro berri honi -eta bere erronkei- buruzko gogoeta piztuz.
Gu guztiongan nolabaiteko eragina duten zenbait gauzari buruzkoa da Denboraren inbentarioa. Islatutako errealitate batek agian sumatzen ez dugun edo behar besteko arreta eskaintzen ez diogun horren norabidea aldatzen du.

In a New York City subway journey, a sequence plan examines a social aspect, searching for a reflection about our new era of profound human and technological changes - and its challenges.
Searching for a reflection about our new era of profound human and technological changes - and its challenges, Inventory of Time is about things that somehow affect us all. A refracted reality changes the course of what we possibly are not realizing or giving enough attention.

Khalil Charif "Inventario del tiempo"
En un viaje en el metro de la ciudad de Nueva York, un plano secuencia examina un aspecto social, buscando una reflexión sobre nuestra nueva era de profundos cambios humanos y tecnológicos, y sus desafíos.

Astelehena Lunes 5
Arkitektura SF 38
San Frantzisko kalea 38
20 h
Vernissage.
Erakusketa / exhibition / exposición:
“Burdin, zementu eta industria zarata / Iron, cement and industrial noise / Hierro, cemento y ruido industrial” (1):
Pablo Agustín Naves.
Ruta por la obra de Pablo Agustín Naves:
Café Bar BCool Gourmet (San Frantzisko Kalea, 18), Bar Chicote (San Frantzisko Kalea, 33), Bar Urquiola (San Frantzisko Kalea, 23), Restaurante Sokarrat (San Frantzisko Kalea, 21), Restaurante Bar La Viña de San Francisco (San Frantzisko Kalea, 17), Bar Marimba (San Frantzisko Kalea, 15), Restaurante Dando La Brasa (Arechaga Kalea, 7).

Azteazkena Miércoles 7
Bar Marzana 16
Martzana Kalea, 16
19 h
Vernissage
Erakusketa / exhibition / exposición:
“Burdin, zementu eta industria zarata / Iron, cement and industrial noise / Hierro, cemento y ruido industrial”(2)



Azteazkena Miércoles 7
Mongolia Gunea
Aretxaga Kalea, 2,
20 h
Vernissage
Erakusketa / exhibition / exposición:
“Burdin, zementu eta industria zarata / Iron, cement and industrial noise / Hierro, cemento y ruido industrial” (3)

Osteguna Jueves 8. 19 h
Guggenheim Bilbao.
Lekua: Museoko Entzungela. Auditorio
Sarrerak: 2 € Museoaren Lagunak, 4 € publiko orokorra; txarteldegietan eta webgunean eskuragarri.
Entradas en taquillas y en la web del Museo, 2 € Amigos del Museo y 4 € publico general.
Performance: Beate Linne (Berlin) “Falling leaves”
Kontzertua/concierto: Mark Morgan (Sightings) (USA). “Solo”

https://www.guggenheim-bilbao.eus/actividades/performance-festival-mem/

Beate Linne (Berlin) “Falling leaves” https://beatelinne.blogspot.com

Beate Linne (Berlin) “Hostoak erortzen”
Andrazkoek mendebaldeko jendartean jokatzen duten rolari buruzko performancea da. Emakumeek beren identitatea zalantzan jartzen dute zahartze prozesuan zehar, eta iheskortasunaren aurrean oro har.

Beate Linne performance artista da, Alemanian jaioa 1967an. Arte Ederrak, Arkitektura, Pedagogia, eta Alemaniar hizkuntza eta literatura ikasi zituen Kassel-eko Unibertsitatean, Hildesheim-eko Fachhochschule-an, eta hiri bereko unibertsitatean. 2007tik aurrera emanaldiak egin izan ditu Europan eta Asian. Gainera, tailerrak ere eman ditu, eta arte jaialdiak antolatu. Bere gorputzarekin sortzen dituen zuzeneko ekintzen bitartez, bizitzarekin eta pertsona izatearekin lotutako arazo zentralak ikertzen ditu Linneren lanak.

The performance is dealing with the role of the women in our western society . The women's questioning of their own identity during the aging process and the evanescence in general.

Beate Linne is a performance artist born in 1967 in Germany. She studied Fine Art, Architecture, Pedagogy, as well as German language and literature in University of Kassel, Fachhochschule Hildesheim, and University of Hildesheim. Since 2007 she has performed in Europe and Asia, given workshops and organised performance art festivals. Linnes' work investigate core issues of life and the condition of being a human through creating live-actions with her body. Her performances often test the corporeal and mental limits of herself, questioning the social manners and learned norms of behaviour. By using her body as a tool of creating powerful live-images, Linne considers performance as an opportunity to express herself in her ongoing examination into the ideas of freedom and conventionality of thought. At the heart of her work is an encounter and exchange between people: a possibility to initiate alternative and bold thinking processes.

Beate Linne (Berlín) "Hojas cayendo"
La performance trata sobre el papel de las mujeres en nuestra sociedad occidental. Las mujeres cuestionan su propia identidad durante el proceso de envejecimiento y la evanescencia en general.

Beate Linne es una artista de performance nacida en 1967 en Alemania. Estudió Bellas Artes, Arquitectura, Pedagogía, lengua alemana y literatura en la Universidad de Kassel, Fachhochschule Hildesheim y la Universidad de Hildesheim. Desde 2007 ha actuado en Europa y Asia, ha impartido talleres y organizado festivales de arte. El trabajo de Linne investiga los problemas centrales de la vida y la condición de ser humano mediante la creación de acciones en vivo con su cuerpo.

Mark Morgan (Sightings) (USA). “Solo”
https://www.youtube.com/watch?v=J_DOfr_gqAw

Mark Morgan, New Yorkeko Sightings taldeko kantari eta gitarrista, Bilbora etorri da bere bakarkako diskoa aurkeztera. 80ko hamarkada hasieran New Yorken sortutako noise no wave (DNA, Mars, Contortions…) eszenaren soinua birdefinitu zuten Sightings-ekoek, eta bide beretik jarraitzen du Mark Morganek bere gitarraren soinu bitxiari ateak erabat irekitzen dizkion bakarkako lehen lan honetan.

Mark Morgan, guitarra y cantante de los neoyorkinos Sightings llega a Bilbao presentando su disco en solitario. Si bien Sightings redifinieron el sonido de esa escena creada en Nueva York a principios de los 80s llamada noise no wave (DNA, Mars, Contortions, …) Mark Morgan en solitario continua por la misma senda en cuyo primer trabajo en solitario da rienda suelta a su particular sonido de guitarra.

New York based, originally from Michigan USA, Morgan was the guitarist and vocalist of the band Sightings (Load Records). For almost 20 years Sightings tirelessly extended the musical vocabulary and sonic landscape of the classic rock n roll guitar bass drum trio. Their unique use of technology, disregard for tradition and control over chaos left them peerless and genre-defying. The visceral and claustrophobic nature of their music made even the heaviest metal or gnarly punk sound nostalgic and lightweight. On his new self titled solo record on Open Mouth Julie Cafritz said..."He’s not coming at this from a Pharoah Sanders-worshipping, free jazz-loving, sensibility. Rather, I hear his home town, Detroit. The record is scuzzy, and raw-sounding, punctuated with moments of utter desolation. Moments build, only to collapse again. There are even funky grooves but, of course, they fall apart. It’s fucking great."

Larunbata Sábado 10.
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
17 - 22 h
Ex!poesía MEM Spazio Grossi extravaganza
Adriano Spatolaren heriotzaren 30. urteurrena (1941-1988)
XX. mendeko poesia esperimentalaren protagonistetako bat izandako Adriano Spatola hil zenetik 30. urte betetzen diren honetan, ekimena antolatu du «ex!poesia»k, honako hauekin lankidetzan: Boek861 (Tarragona), Luz y Cía (Granada), MEM (Bilbo), Merz Mail (Bartzelona), Spazio Grossi (Bilbo) eta LUPI (Bilbo).
Homenaje a Adriano Spatola.

http://bienalexpoesia.blogspot.com/p/presentacion.html

13:00 Spazzio Grossi
Calle Manuel Allende Kalea, 12. Bilbao
Topaketak. Encuentros

17:00 MEM Exhibition Hall
Bailen Kalea 21.
Berriketa. Charla

20:00 MEM Exhibition Hall
Vernissage. Performanceak. Performances: Giovanni Fontana (Italia), Bartolomé Ferrando (Valencia)

Vernissage erakusketa: “Burdin, zementu eta industria zarata / Iron, cement and industrial noise / Hierro, cemento y ruido industrial” (4)
Josu Rekalde, Beatriz Sánchez, Itziar Markiegi, Azar Othman (Irak), Oscar Martin (noish), Fabricio Lamoncha (Austria), Lola Marquínez, Pablo Agustín Naves.

Giovanni Fontana (Italia)
https://en.wikipedia.org/wiki/Giovanni_Fontana_(poet)

Giovanni Fontana (Frosinone, 1946) poeta eta artista interpretatzaileak soinuaren eta irudiaren arloko ikerketarekin uztartzen du bere idazketa jarduna. Ekoizten duenaren zati handi bat soinu-poesiari eta poesia bisualari dagokie. Alatrin bizi da, arkitekto gisa lanean, eta “testuaren aurretiko poesia” teorizatu zuen laurogeiko hamarkadan, diziplinarteko idazketa irekiaren forma poetikoa, alegia. “Testuaren aurretiko poesia”, izan ere, ekintza gauzatu ahala ikusmen, soinu eta keinuen bidezko lengoaiarekin bat egiten duen performancea da. Giovannik sortzen dituen “soinu” eleberrietan, bestalde, badira ohiko puntuazio zeinuak ordeztuz prosa sostengatzen duten egitura erritmikoak, barra zeiharren erabileragatik nabarmentzen diren nolabaiteko partitura musikalak.

Giovanni Fontana (Frosinone, 1946) es un poeta y performer que une su actividad como escritor a la investigación en el campo del sonido y la imagen. Gran parte de su producción se refiere a los sectores de la poesía sonora y la poesía visual. Residente en Alatri, donde trabaja como arquitecto, teorizó en los años ochenta la "poesía pre-textual", la forma poética de la escritura interdisciplinar abierta. La "poesía pretextual" es, de hecho, un proyecto de performance que se integra, durante la acción, con lenguaje visual, sonoro y gestual. Él es el autor de las novelas "sonido" en el que la prosa es apoyado por estructuras rítmicas que se caracterizan por el uso de las barras diagonales, por así decirlo partituras musicales, en lugar de los habituales signos de puntuación. Estos incluyen Tarocco Meccanico (1990) y Chorus (2000). Formó parte del equipo editorial de Tam Tam, la revista fundada en 1972 por Adriano Spatola y Giulia Niccolai. Con ellos y con Arrigo Lora Totino, Milli Graffi, Sergio Cena y otros poetas sonoros, fundó el grupo Dolce Stil Suono en 1979. En 1987 fundó la revista de poéticas intermedias La Taverna di Auerbach [issn 0394-3518] y más tarde el auditorio Momo. Fue miembro de las oficinas editoriales de Altri Termini y del auditor Baobab (después de la muerte de su fundador Adriano Spatola). Colaboró en el semestre de investigación literaria Anterem. Actualmente es editor de las revistas internacionales Doc (k) s (Francia) e Inter-Art actuel [978-2-924298-13-8] (Canadá). Es parte del comité de dirección de la revista de estudios comparativos sobre la vanguardia Bérénice [12] [ISSN 1128 a 7.047] y dirige territorios [ISSN 2284 a 0540], una revista de arquitectura y otros idiomas, publicado por la Orden de Arquitectos de la Provincia de Frosinone. Ha participado en numerosos festivales internacionales de poesía visual, incluyendo la XVI Bienal de Sao Paulo (1981), XI Cuadrienal de Roma (1986), la vitalidad de la poesía visual italiana (Sal Mercado, Milán 1987) , libros y artista de las páginas en Italia (Forte Belvedere, Florencia, 1989), La escritura y la visualidad (Biblioteca Nazionale Centrale, Florencia, 1993), la música, y no hay [20] (Santa Maria della Scala, Siena y el Palazzo Ducale, Mantua 1998), poesía total (Palazzo della Ragione, Mantua 1998), [21] Leonardo en la acción y la poesía (Museo Ideale, Win 2001), [22] Brain Academy Apartamento (50a Bienal de Venecia, 2003), XXL Poetas. European Masters de poesía visual [23] (Chiari, Brescia, 2006), Bienal de Malindi [24] (Malindi, Kenia, 2006), el Pabellón de Italia (con Hermes Intermedia, 54a Bienal de Venecia, 2011), Palabras IMAGENES Y Otros Textos (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2012), Poesía Visual. La vanguardia de la nueva vanguardia. Medio siglo de poesía visual, poesía concreta, escritura visual [25] (Castello Visconteo, Pavia, 2014), Progetto XXI. Escritura visual / La palabra total (Museo Nitsch, Nápoles, 2014). En 2011 escribió la letra de Elegía para Italia, ópera compuesta por Ennio Morricone para el ciento cincuenta aniversario de la unificación de Italia.

Giovanni Fontana (1946) is an Italian poet, performance artist, author and publisher. Fontana was born in Frosinone, Lazio. He has been dealing for forty years with multi-code languages, intermedia techniques, sound poetry and visual poetry. Interested in the relationship between the arts, he came to a new conception of text and theorized the concepts of “pre-textual poetry” and the “epigenetic poetry”.
His visual compositions present themselves as real scores, as pre-texts through which to attain a performance dimension.
From the latter half of the ’60s he has experience of theatre with the dramatic art groups. In 1968 he founded a small experimental theatre company. For theatre he wrote texts and he also worked as scenographer and musician.
His first visual poems are dated around the years of 1966–1968 and they develop parallel to sound experimentations on magnetic tape, which later were used in theatre (1968–1972).

Bartolomé Ferrando
http://bferrando.com

Performerra eta poeta bisuala. Valentziako Arte Ederren Fakultateko performance eta bitarteko arteko (intermedia art) irakasle titularra.

Natural de Valencia. Profesor titular de performance en la Facultad de Bellas Artes de la UPV [Valencia]. Fundador de la revista de poesía experimental Texto Poético. Participó en diversos festivales internacionales de performance y realizó exposiciones individuales de poesía visual e instalaciones poéticas en España, Italia y Francia. Dispone de una veintena de libros, catálogos, discos, compact-disc y vídeos publicados.

Beatriz Sánchez
https://vimeo.com/209400330

Beatriz Sánchez marrazkilaria, performerra eta ikus-entzunezko sortzailea da. Diskurtso heteronormatiboaketa informazioaren gizarteak gugan eragiten duten talkaren analisiaren inguruan aritzen da, fronte ezberdinetatik.

Beatriz Sánchez es dibujante, performera, creadora audiovisual, y actúa desde distintos frentes en relación al análisis del impacto que origina en nosotros el discurso heteronormativo y la sociedad de la información. A través de distintas estrategias y técnicas, a Beatriz tanto le da poner en cuestión las figuras subjetivadas del ciudadano responsable y el deseable social incitándonos a convertirnos en “desobedientes cibiles”; como posibilitar una reflexión-acción del efecto cosificador que sobre la mujer ejerce la sexografía para hombres; o en concordancia con el anhelo cyberpunk realizar una indagación práctica de las posibilidades [no previstas] que ofrecen las redes sociales virtuales para descorporeizar la identidad y travestirse en una personalidad paralela con capacidad para interactuar con otras identidades digitales y generar historias imposibles. www.beatrizsanchez.net

Josu Rekalde "Histotia berridazten / reescribiendo la historia"
http://josurekalde.com

Josu Rekaldek sorkuntza artistikoa eta EHUko Arte Ederretako Fakultateko irakasle-katedrari lotutako lana bateratzen ditu. Diziplina anitzeko esparruan jarduten da, nahiz eta bideoaren eta teknologia berrien ingurukoa den bere obraren alderik ezagunena. Lantzen dituen gaiak intimismoaren eta harreman sozialen artean mugitzen dira, Niarengandik Bestearengana alegia, metalinguistikotik narratibora.

Josu Rekalde (Amorebieta -Bizkaia- 1959) compagina la creación artística con la de profesor catedrático en la Facultad de Bellas Artes de La universidad del País Vasco. Su campo de trabajo es multidisciplinar aunque su faceta más conocida es la relacionada con el video y las nuevas tecnologías. Los temas que trabaja se desplazan desde el intimismo a la relación social, desde el Yo al Otro, desde lo metalingüístico a lo narrativo. Exposiciones: Ha expuesto y difundido su obra en numerosos lugares entre los que podemos citar el Museo de Bellas Artes de Bilbao (1995), el Museo de Girona (1997), Espace des Arts de Tolouse (1998), Mappin Gallery de Sheffield (1998), el Espace d´Art Contemporani de Castelló (2000), Centro La Panera de LLeida (2004), Göete Institute de Roma (2004), Espacio menos1 de Madrid (2006), la Galería Na Solyanke de Moscú en el marco de la exposición: Jokes and Nightmares, Spanish video art from Dalí to the present day (2011), en el Centro Puertas de Castilla “Miradas al Videoarte” (2012) o en “ARTISTS AS CATALYSTS” de Ars Electronica en el centro La Alohondiga de Bilbao (2013).

Itziar Markiegi aka Jana Jan "Conductivxs"
https://youtu.be/QVgi3_tswOU

“Eroaleak”
Soinu-mural interaktiboa. Kontaktuaren bitartez soinua sortu eta modulatzen duen sintetizadore mural interaktiboa. Ukimenarekin dabilen instrumentua da. Jolastera eta zaratatzera irekitako gonbidapena.

Mural interactivo sonoro. Mural sintetizador interactivo que genera y modula sonido por contacto. Es un instrumento que funciona al tacto. Una invitación abierta a jugar y ruidear.

Itziar Markiegi a.k.a. Jana Jan. Artista transdisciplinar, dibujante, ruidista y performer, experimenta y realiza colaboraciones gráficas y sonoras e improvisaciones con diferentes artistas y colectivos. Co-creadora de formaciones como Baba-Llaga, AM, Magmadam, actualmente es parte de Zørra, Grutal, FFFist y Emankore. Ha participado en festivales como Ertz (Bera), Zarata Fest (Madrid-Bilbao), MEM, Proklama, Muestra Internacional In-Sonora (Madrid), Ars Electronica (Austria) y espacios como Club Le Larraskito, MS Stubnitz (Hamburgo), Artium, La casa Encendida, Vaciador (Madrid), STWST (Linz)... Explora la creación y manipulación del sonido, la acumulación, a través de la improvisación y el uso creativo del error, Sintes DIY y el cuerpo como instrumento generador activo.

Azar Othman “The questions of a city”
https://bilbaoarte.org/Artists/azar-othman-moving-artists/

Othman-ek gailu eskultoriko bat sortu du eguneroko teknologiak eta lanabesak erabiliz (konputagailua, wifia, tableta…), jendearen joan-etorrietan, aisialdian edo erosketetan erabilitako eremuetan jarririk gure hiriko bizilagunen eta Kurdistango Sulaimanykoen arteko komunikaziorako balio dezan. Politika kultural publikoei, ingurumenari eta arteaz dugun ikuspegiari buruzko galderen bitartez, hirikotasunaren kontzeptua zein hirietako bizilagunak eurak aztertzen dituen esperimentu artistiko honetan parte hartzeko gonbidapena luzatzen digu artistak.

Azar Othman es un artista del Kurdistan iraki, que durante unos meses ha disfrutado de una residencia artística en Bilbao gracias a la asociación bilbaina Moving Artists (MA), promovida por la artista Ixone Sádaba, que trabaja en la intersección entre derechos humanos y arte. MA facilita la movilidad de artistas provenientes de países, donde la entrada y salida de personas esté manifiestamente restringida. A través de tecnologías y herramientas cotidianas (ordenador, wifi, tablet,…) Othman a creado un dispositivo escultórico que colocado en un espacio de tránsito, comercial o de ocio sirve para la comunicación entre los ciudadanos de nuestra ciudad y los de Sulaimany en Kurdistan. A través de diversas preguntas sobre políticas culturales públicas, medio ambiente y nuestra visión del arte, el artista nos invita a participar de este experimento artístico que analiza el concepto de lo urbano y a los habitantes de las ciudades. Aunque Sulaimany sea la capital cultural de Kurdistan se trata de un ambiente cerrado donde las relaciones y comunicaciones son limitadas. Los adelantos tecnológicos cambian nuestra sociedad y debemos preguntarnos como nos están afectando y hacia donde nos llevan. ¿Podría ser el arte el motor de estas nuevas preguntas y pensamientos, ayudarnos a crear personas de mentes más abiertas y aprovechar los avances de los nuevos medios? Azar Othman está convencido de ello.

Oscar Martin (noish) "{RdEs} Red Distribuida de Emergencia Sonora"
http://noconventions.mobi/noish/hotglue/?RdEs

Soinu-argizko instalazio sortzaile eta autopoetiko honek emergentziaren eta autoeraketaren gisako kontzeptu eta prozesuetan oinarritutako sistema konplexuen teoriak gauzatzen ditu. Erabilitako ereduak zientziaren alor ezberdinetatik datoz: filosofia, biologia, konputazio-zientziak, eta adimen artifizialaren ikerketa (automata zelularrak, neurona-sareak, zibernetika…). Eredu hauek soinuan eta konposizioan irekitzen dituzten aukerak esploratzen ditu lanak, elkarri zein inguruneari eragiten dioten modulu-partikulen sare-sistema oinarri harturik. Soilak izanagatik, banakako mailan jarraitzen diren arauak patroi konplexuagoen emergentzia sustatzeko gai dira multzo osoaren mailan.

Instalación sonoro-lumínica generativa y autopoética que pone en práctica teorías de sistemas complejos basados en conceptos y procesos tales como la emergencia y la autoorganización. Modelos que provienen de diversos campos de la ciencia: filosofía, biología, ciencias de la computación y el estudio de la inteligencia artificial (autómatas celulares, redes neuronales, cibernética..). Explora las posibilidades sonoras y compositivas generativas de estos modelos, a partir de un sistema en red de módulos-partícula que interactuan de forma mutua y con el entorno siguiendo unas reglas sencillas a nivel individual pero capaces de hacer emerger patrones más complejos y sofisticados a nivel de conjunto.

Licenciado en Bellas Artes y especializado en escultura y nuevos medios (UPV). Artista, investigador y programador independiente que trabaja en el campo de la poética algorítmica y el estudio de los sistemas generativos y caóticos aplicados al contexto artístico en diferentes formatos: arte sonoro, instalaciones, performance, radio-art bajo las premisas del DIY and DIWO. Desde el aspecto sonoro sus piezas proponen incentivar una escucha activa y expander la percepción a través de la experiencia física-acústica del fenómeno de la emergencia de estructuras y patrones en los límites de lo caótico y lo ordenado. Martín también está detrás de la plataforma de streaming MetaminaFNR y es editor de la revista sobre cultura aural y música experimental UrsonateFanzine.

Fabricio Lamoncha "Jaula de Grillos"
https://vimeo.com/user6493510

Ordenagailuak programatzeko zenbait ikus-entzunezko tresna baliatzen ditu autoreak lan honetan, txirrita talde baten, entzuleria humano baten eta x-ren (gure burbuila existentzialetik kanpo egon daitekeenari buruzko ideia indibidual edo kolektiboen) arteko elkarrizketa abiatu nahian. Artista, diseinatzailea eta bioartearen eremuko ikerlaria da Fabricio Lamoncha. Bere ikerketa eta arte jardunak komunikabideen historiaren eta etikaren katramilak arakatzen ditu. Design Research Lab Berlin (UdK) delakoan izandako bost urteko esperientzia profesionalaren ondoren, doktoregai gisa matrikulatu da Interface Cultures programan, Linz-eko Arteen Unibertsitatean, hain zuzen, bertako irakasle ere baden bitartean. 2017tik, bestalde, UCLAko Nano Science Institute-ko (Los Angeles) Arte eta Zientzia Programan lan egiten du irakasle gonbidatu modura. Bere lana nazioartean erakutsi da, eta Arte eta Bizitza Artifizialaren Vida14 saria jaso zuen.

"Cricket box" is one in a series of artistic research projects on interspecies collaboration, based on the study and interpretation of the sensorial apparatus, as means of understanding their specific umwelt (environment). Cricket Cage, in particular, suggests a symbolic system of metabolic layers, following the idea of music and rhythm as social and cultural interfaces, as well as artefacts of ritual transcendence. With this work, the author, with the help of different audiovisual computer programming tools, attempts to establish a dialogue between a group of crickets, a human audience, and x (our individual or collective ideas of whatever could stand outside our existential bubble).

Fabricio Lamoncha is an artist, designer and researcher in the field of Bioart. His artistic research and practice explores the entanglements of media history and bioethics. After five years of professional experience in the Design Research Lab Berlin (UdK), he recently enrolled as PhD candidate in the Interface Cultures program, University of the Arts Linz, where he is also assistant professor and lecturer. Since 2017 he is also guest lecturer at the Art and Science Program of the Nano Science Institute, UCLA, Los Angeles. His work has been exhibited internationally and awarded with the Art and Artificial Life International Award Vida14.

"Jaula de Grillos" forma parte de una serie de proyectos de investigación artística sobre colaboración entre especies, basados ​​en el estudio e interpretación del aparato sensorial, como medio para comprender su ambiente específico. "Jaula de Grillos", en particular, sugiere un sistema simbólico de capas metabólicas, siguiendo la idea de la música y el ritmo como interfaces sociales y culturales, así como artefactos de trascendencia ritual. Con este trabajo, el autor, con la ayuda de diferentes herramientas audiovisuales de programación de computadoras, intenta establecer un diálogo entre un grupo de grillos, una audiencia humana y x (nuestras ideas individuales o colectivas de lo que pueda estar fuera de nuestra burbuja existencial).

Fabricio Lamoncha es un artista, diseñador e investigador en el campo del bioarte. Su investigación y práctica artística explora los enredos de la historia de los medios y la bioética. Después de cinco años de experiencia profesional en el Design Research Lab Berlin (UdK), recientemente se matriculó como doctorando en el programa Interface Cultures, Universidad de las Artes de Linz, donde también es profesor asistente y profesor. Desde 2017, también es profesor invitado en el Programa de Arte y Ciencia del Nano Science Institute, UCLA, Los Ángeles. Su trabajo se ha exhibido internacionalmente y se le ha otorgado el Premio Internacional Vida14 de Arte y Vida Artificial.

Lola Marquínez
http://sarean.info/events/exposicion-lola-marquinez/

Lola Marquínez, Oxford, 1976. Arte Ederretan lizentziatu zen UB Bartzelonako Unibertsitatean, eskultura espezialitatean. Bere ekoizpen propioaz gain, tailer artistikoak ere egiten ditu zenbait erakunderentzat. Badira bederatzi urte burmuineko kalte hartua duten pertsonekin lanean ari dela ATECE Bizkaiaren pintura tailerrean, arte-terapiatik gertu dauden prozesuen bitartez sorkuntza artistikoa bultzatuz.

Lola Marquínez, Oxford 1976, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona U.B., especialidad escultura. Compagina su producción propia con la realización de talleres artísticos para diferentes organizaciones. Lleva nueve años impulsando la creación artística en procesos cercanos a la arteterapia con personas con daño cerebral adquirido, desde el taller de pintura de ATECE Bizkaia.

Pablo Agustín Naves.
Pablo trabaja desde los 14 años. Nunca quiso estudiar aunque tenía posibiidades económicas para hacerlo. Trabaja desde los 14 años. Es herrero. Tiene su taller en la calle Gimnasio de Bilbao.

Igandea Domingo 11.
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
12 a 14 h
Vernissage:
Fabricio Lamoncha “Jaula de grillos”
Kontzertua/Concierto:
Noish <::> Extreme Attractors
https://vimeo.com/123122470

Asteaskea Miércoles 14
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
20 h
e-bol fest:
Kontzertua/Concierto:
Louis Laurain (Francia) “Unique Horns” 45'
Proiekzioa / proyección:
Videofestival Magmart “3ODIES”

Louis Laurain (Francia) “Unique Horns”
https://vimeo.com/203283276

Adar paregabeak hiru tronpeta, ordenagailu eramangarria, etxean egindako anplifikazio sistema eta zenbait objektu durunditsuentzako solo pieza da. Entzun bitartean, honelakoak aditzea gerta lekizuke: tronpetak, txoriak, zarata zuria, burrunba metalikoak, apoak, uhin sinusoidalak, musika, ohian naturaleko zein artifizialeko zaratak… Parisen finkatutako tronpetaria, inprobisatzailea eta konpositorea da Louis Laurain. Musika garaikidearen, esperimentalaren eta jazzaren esparruetan lan egiten du. 1984an jaioa, tronpeta jotzen ikasi zuen, eta Lyon (CNR) eta Pariseko (CNSMDP) kontserbatorioetan trebatu zen geroago. Bere instrumentuarekin hizkuntza pertsonal originala garatu bitartean, musikarekiko ikuspuntu intuitibo eta espontaneoa ikertzen joan da zenbait kolaborazioren bitartez.

“Unique Horns” is a solo piece for 3 trumpets, laptop, home-made amplification system and various resonating objects. Throughout the piece you might hear trumpets, birds, white noise, metal ringing, toads, sine waves, music, natural and artificial jungle sounds... These elements are interacting together as a system in order to create different sound environments.The point of this performance is to build such environments in real time and to make theme evolve from complete abstraction to very recognizable atmospheres.

Louis Laurain is a trumpet player, improviser and composer, based in Paris. He works in the field of contemporary music, experimental music and jazz. Born in 1984, he taught himself to play the trumpet and then studied at the conservatories of Lyon (CNR) and Paris (CNSMDP). While developing his own personal and original language on his instrument, he researched, through different collaborations, an intuitive and spontaneous approach to music. His interest is essentially in different forms of improvised & experimental music ranging from solo to orchestral. He performed with Eliane Radigue, Stephen o'Malley (Sunn O ))), Pierre Huyghe, Axel Dorner, Nicolas Collins, Yves-Noel Génot, Zombie-Zombie, Pierce Warnecke, Polyversal souls, Tobias Delius, Arnaud Rivière, Xavier Charles, Ignaz Schick…

“Unique Horns” es una pieza solista para 3 trompetas, ordendor portatil, sistema de amplificación hecho en casa y varios objetos resonantes. A lo largo de la pieza, es posible que escuche trompetas, pájaros, ruido blanco, zumbidos metálicos, sapos, ondas sinusoidales, música, sonidos de la jungla natural y artificial ...

Louis Laurain es un trompetista, improvisador y compositor, con sede en París. Trabaja en el campo de la música contemporánea, la música experimental y el jazz. Nacido en 1984, aprendió a tocar la trompeta y luego estudió en los conservatorios de Lyon (CNR) y París (CNSMDP). Mientras desarrollaba su propio lenguaje personal y original en su instrumento, investigó, a través de diferentes colaboraciones, un enfoque intuitivo y espontáneo de la música.

Videofestival Magmart “3odies”
http://bodies.altervista.org

Giza-zibilizazioaren historian zehar gorputzak rol garrantzitsua jokatu du beti kulturan eta artean. Izan ere, pertsonek ez diote inoiz utzi beren burua begiratzeari, eta beste ezer baino lehenago eta gehiago, beren egitura fisiko propioa izan dute gai, jainkoak irudikatu eta errepresentatzeko orduan ere itxura humanoa erabili dutela. Edertasun-ereduaren aldaketak gorabehera, historiaurreko Venusekin hasi eta Botticelliren Venusen jaiotzara edota XXI. mendeko modelo anorexikoetara helduz, gorputzari eskainitako arreta berezi eta agerikoak ez du sekula huts egin. Artearen historia biziki markatu du harreman kultural horrek. Baina ez da -eta ez da inoiz izan- harreman estetikoa soilik. Gorputza lanabesa izan da beti, lanabes adierazgarria; eta pertsonen esku hartzearen subjektu izan da, eta bada. Lehendabiziko tatuajeetatik kirurgia estetikora eta trasplanteetara, pertsonak ez dio inoiz utzi bere gorputzean aritzeari, hura aldatu nahian. Milaka urteko erlazio dialektiko honek -Polikletoren Doriforoa eta William Gibsonen Molly lotzen dituen arkuan sinbolikoki laburbil dezakeguna- gure espeziearen esperientzia kulturalaren zati handi bat gordetzen du. 30 DIES proiektuak harreman hori ikertzeko gonbitea luzaten die artistei, antzinate klasikotik hasi –artean errepresentatu izan den moduan hartuta- eta ordezkapeneko protesi mekanikoez aberasturik egon ez ezik txerto elektroniko hedakorrak ere inplementatzen dituen biharko ziborgaren etorkizun hurbilarekin bukatuz.

In the history of human civilization, the body has always had a significant role in culture and art, and Man has never stopped looking at himself - his own physical structure - before and more than anything else, till to imagine, and to represent, even the Gods in human form. From the prehistoric callipigs venuses, to Botticelli's Born of Venus, to the anorexic models of the 21st century, even in the changing of the idea of beauty, this special attention to material, tangible himself, has never failed. And this cultural relationship with the body has marked the history of art. But this relationship is not - or has ever been - exclusively aesthetic. The body has been and is a tool of work, and an expressive tool; and it was, and is, the subject of human intervention. From the earliest tattoos to aesthetic surgery and transplants, Man has never stopped acting on his body, trying to modify it. And in this millennial dialectical relationship, which we could symbolically summarize in the arch that goes from the Dolier of Policleto to Molly by William Gibson, it encapsulates much of the cultural experience of the human species. The 3ODIES project invites artists to investigate this relationship, from classical antiquity - as represented in the arts - to the near future, tomorrow's cyborg, not only enriched with mechanics prostheses replacement, but with implemented expansive electronic grafts.

En la historia de la civilización humana, el cuerpo siempre ha tenido un papel importante en la cultura y el arte, y el hombre nunca ha dejado de mirarse a sí mismo, su propia estructura física, antes y más que cualquier otra cosa, hasta imaginar y representar, incluso los dioses con forma humana. Desde las venus prehistóricos hasta el "El nacimiento de Venus" de Botticelli y los modelos anoréxicos del siglo XXI, incluso en el cambio de la idea de belleza, esta atención especial al material, tangible, nunca ha fallado. Y esta relación cultural con el cuerpo ha marcado la historia del arte. Pero esta relación no es, o nunca ha sido, exclusivamente estética. El cuerpo ha sido y es una herramienta de trabajo, y una herramienta expresiva; y fue, y es, el sujeto de la intervención humana. Desde los primeros tatuajes hasta la cirugía estética y los trasplantes, el hombre nunca ha dejado de actuar sobre su cuerpo, intentando modificarlo. Y en esta relación dialéctica milenaria, que podríamos resumir simbólicamente en el arco que va desde el "Doríforo" de Policleto a "Molly" de William Gibson, encierra gran parte de la experiencia cultural de la especie humana. El proyecto 3ODIES invita a los artistas a investigar esta relación, desde la antigüedad clásica, tal como está representada en las artes, hasta el futuro cercano, el cyborg del mañana, no solo enriquecido con prótesis mecánicas de reemplazo, sino con injertos electrónicos expansivos implementados.

Artistak / artists / artistas:
Igor Imhoff (Italia), Francesca Fini (Italia), Fenia Kotsopoulou (Grecia), Jose Vieira (Portugal), Alessandro Amaducci (Italia), Eleonora Manca (Italia), Isabel Pérez del Pulgar (France), Fran Orallo (UK), Sara Simeoni (Italia), Dragan Mileusnić, Željko Serdarević (Croacia).

Osteguna Jueves 15
19 h vernissage
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21

Erakusketa. Muestra Internacional de Arte Postal
"Gutun-azala edukitzaile gisa" / “El sobre como continente”
30 años de Adriano Spatola
GAIA: Adriano Spatolaren heriotzaren 30. urteurrena (1941-1988).

XX. mendeko poesia esperimentalaren protagonistetako bat izandako Adriano Spatola hil zenetik 30. urte betetzen diren honetan, ekimena antolatu du «ex!poesia»k, honako hauekin lankidetzan: Boek861 (Tarragona), Luz y Cía (Granada), MEM (Bilbo), Merz Mail (Bartzelona), Spazio Grossi (Bilbo) eta LUPI (Bilbo).

“30 aniversario de la muerte de Adriano Spatola (1941/1988)”. ex!poesía en colaboración con Boek 861, Luz y Cía, MEM, Merz Mail, Spazio Grossi y LUPI organizan esta convocatoria en el 30 aniversario de la muerte de Adriano Spatola, uno de los protagonistas de la poesía experimental del siglo XX.

Artistak / artists /artistas:
Aaron Flores, Alejandro Thornton, Alexey Parggin, Ana Cobo, Andreea Rus, Andreina Argiollas, Ángela Caporaso, Anissa Redjem, Antonio Bonome, Antonio Cares, Antonio Gómez, Antonio Orihuela, Bruno Chiarlone, Carmen Tena, César Reglero, Cinzia Farina, Clemente Padín, Daniel de Culla, Daniela Bartolomé, Devin Cohen, Dorian Ribas Marinho, Elisabet Mesa Cruz, Emilnia Marasca Soccol, Ferran Fernandez, Francisco Sanchez Gil, Giangrazio Verna, Giovanni y Renata Guido, Capuano Guillermo, Carlos Díaz Coello, Hilal Tursoluk, Hugo Pontes Ibirico, Ignacio Navarro Cortez, J. Javier Martínez Ruiz, Jaio La Espia, Jane Beatriz Sperandio Balconi, Janyce Soares de Oliveira, Javier Seco Goñi, Jeanete Ecker Kohler, Joaquín Gómez, Joaquin Montenegro, Jonh M. Bennett, José Carlos Velázquez, José Emilio Antón, José L. Campal, José L. Muñoz Armijo, José Rufino, Juan Ángel Italiano, Juan Carlos Moreno, Juan López de Ae,l Julien Blaine, Jussara Leite Kronbauer, Karen Eliot, Lars Schumacher, Luis Flores, Luiza G. P. Gutiérrez, Luther Blisset, M. Luchetti, Mª José Bellido Jiménez, Mª Julieta Rdamasceno, Manuel Calvarro, Manuel Sainz Serrano, Mara Caruso, Mari Mar Estébez, María de las Mercedes Zanuhini, María de los Reyes Vegas Villar, Maria do Carmo Toniolo Kuhn, María Gemeli, Maria Teresa Oyanarte, Marithe Bergamin, Marta García Pérez, Mercedes Barrera, Mercedes Monroy, Michael Kostiuk, Miguel Jimenez, Myriam M. Mercader, Natalia Tcilevich, Nieves Salvador Bayarri, Oronzo Liuzzi, Öznur Kepce, Pablo Gallardo Bellido, Paco Pérez Belda, Paulo Gléri Bacedônio, PC (tictac), Pedro Gonzalves García, Pedro Pablo Gallardo, Pepe Buitrago Yañez, Pepe Murciego, Pere Sousa, Poul Poclage, Rafael Gónzalez, Raul Regera, Rebeca Martell, Roberto Scala, Rocio Ocejo Trueba, Rosa Alcañiz, Rosalia Gancie, Sabela Baña, Sait Toprak, Samuel Montalventti, Sergi Quiñonero, Sirlei Caetano, Susan Nash Logan, Tania Luzzatto, Therezinha Fogliato, Tiziana Baracchi Türkan Elci, Txaro Etxebarria, Vera Regina Presotto.

Osteguna jueves 15
MEM Exhibition Hall. 20 h
Bailen Kalea 21.
e-bol fest:
Kontertua / concert / concierto:
Javier Maculet (Como Huele)
Vernissage erakusketa: “Burdin, zementu eta industria zarata / Iron, cement and industrial noise / Hierro, cemento y ruido industrial” (5):
Arantza Gaztañaga "Zentzuak berreskuratuz / Recuperando sentidos”

Javier Maculet (Como Huele)
http://www.javiermaculet.com

Bartzelonan bizi den gitarrista, konpositore, eta produktore musikala da Javier Maculet. Besteak beste, Concomitance izenez argitaratzen ditu bere lanak. Bilbon izan dituen talde musikal historikoak, hots, Médanos de Singapur eta Cómo Huele! bikotea, biniloan berrargitaratu dira hiru hamarkadaren ondoren. 48h Open House Barcelona arkitektura-festibalaren kide fundatzailea da, bai eta Tupper festibala antolatzen duen DeDO musika-kolektiboarena ere.

Javier Maculet es guitarrista, compositor y productor musical residente en Barcelona, publica sus trabajos, entre otros, bajo el nombre de Concomitance. Sus grupos musicales históricos de Bilbao, Médanos de Singapur y el dúo Cómo Huele!, han sido reeditados en vinilo después de tres décadas. Miembro fundador del festival de arquitectura 48h Open House Barcelona y del colectivo musical DeDO organizadores del festival Tupper.

Arantza Gaztañaga "Zentzuak berreskuratuz/ Recuperando sentidos”

Soinu-instalazio honek ukimena eta entzumenaren moduko zentzumenak berreskuratzea du xede, artea hain gauza bisuala izan ez dadin. Zeramika-eskultura multzo batez osatzen da, eta piezen barrutik datozen soinuen eta argiaren gisako zentzumen-estimuluak erabiltzen ditu ikuslea obraren baitara erakartzeko. Artearen mundurik baztertuak izateko arriskuan dauden kolektiboei ere zuzentzen zaie; esate baterako, ikusmen-desgaitasuna duten pertsonei. Maila kontzeptualean, gauarekin zerikusia duten soinuak txertatu ditut, sorginen akelarreak gogoraraziz; nolabait, horien kutsua baitauka instalazio osoaren itxurak,

Es una instalación sonora encaminada a la recuperación de los sentidos como el tacto y el oído, haciendo del arte algo menos visual. Son un conjunto de esculturas cerámicas que mediante estímulos sensitivos como la luz y el sonido proveniente del interior de las piezas, pretenden estimular al espectador a integrarse dentro de la obra. Va dirigida también a colectivos en riesgo de exclusión en el mundo del arte como son las personas con discapacidad visual. A nivel conceptual, he integrado sonidos relacionados con la noche recordando a los aquelarres de las brujas, pues es cierto que el aspecto de toda la instalación puede recordarnos a ello.

Ostirala Viernes 16
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
20 h
FEM TEK - MEM extravaganza:
http://femtekbilbao.net
Performances & live video:
Quimera Rosa “Sexus 3 parte II: Rachel”
Paralux Paralux & Rebecca Wilkinson

Quimera Rosa “Sexus 3 parte II: Rachel”
http://quimerarosa.net/category/performances/espanol/

“Es este test para saber si soy una replicante o una lesbiana, Mr. Deckard?”

“Test hau erreplikantea ala lesbiana naizen jakiteko al da Mr. Deckard?


[Sexus 3] es una trilogía de performance postporno cyberpunk inspirada en las tres replicantes de Blade Runner: Zhora, Rachael y Pris. En la primera parte de Sexus 3 [Zhora aka La Violinista] condensábamos nuestros seis años de experimentos electro-químicos. La segunda parte, que presentamos aquí, es el momento de la crisis. Es la hora de Rachael y de la duda.
Durante la performance el público esta invitado a participar interaccionando con los performers para generar una pieza sonora por medio del contacto corporal, la circulación de fluidos y la estimulación eléctrica. Con esta segunda parte os invitamos a dudar de vuestros deseos. A dudar de esta cosa en nuestro interior que dice “Yo”. Os invitamos a un Test de Empatía

[Sexus 3] Blade Runner filmeko Zhora, Rachael, eta Pris erreplikanteengan oinarritutako performance postporno cyberpunk trilogía bat da. Sexus 3 ( Zhora aka La Violinista)ko lehenengo atalean, gure esperimentu elektro-kimikoen 6 urteak laburtu edo trinkotzen genituen. Bigarren atala, hemen aurkezten ari garen hau, krisialdiaren unea da. Rachael eta zalantzen unea da. Performacea garatzen ari den bitartean, publikoa gonbidatuta dago bertan parte-hartzera perfomerrekin batera elkar eraginez. Helburua, fluidoen zirkulazioa, estimulazio elektrikoaren eta gorputzen kontaktuaren bitartez soinu pieza bat sortzea da. Bigarren atal honekin, zuen desiren inguruko zalantzak piztera gonbidatu nahi zaituztegu. Gure barrenean dagoen “Ni” horrek esaten duena zalantzan jartzea. Enpatia Test batera gonbidatzen zaituztegu.

Quimera Rosa
Laboratorio de experimentación e investigación sobre identidades, cuerpo y tecnología. QR se inspira de la noción de cyborg desarrollada por Donna Haraway, quien los define como “quimeras, híbridos teorizados y fabricados de maquina y organismo”. Desde una perspectiva transfeminista hacemos del cuerpo una plataforma de intervención pública, con el fin de generar rupturas en la frontera entre lo público y lo privado. Nuestro trabajo se centra en el desarrollo de performances y proyectos transdisciplinares, en la elaboración de dispositivos que funcionan con la actividad corporal y experimentaciones de bio-hacking.

Quimera Rosa
Identitateak, gorputzak eta teknologien inguruko ikerketa eta experimentazio laborategia. QR, Donna Harawayk garatutako ciborg kontzeptuan inspiratzen da, zeinek honela definitzen dituen “ quimerak, hibrido teorizatuak eta makinaz eta organismoz eraikiak”. Ikuspegi transfeminista batetik, gorputza esku-hartze publiko bat burutzeko plataforma bilakatzen dugu, publikoaren eta pribatuaren arteko mugan arrakalak sortzeko. Gure lanaren ardatza, performance eta proiektu transdisziplinarren garapena da, ekintza korporalekin funtzionatzen duten gailuen lanketan eta bio-hacking experimentazioan.

Paralux Paralux & Rebecca Wilkinson

Tras coincidir y colaborar en diversos proyectos de terceros, Paralux y Wilkinson deciden maquinar finalmente para esta ocasión y cumplir su deseo latente de trabajar juntas. directoAmbas con trayectorias eclécticas, parten de sus propias experiencias para llegar a recrear un universo compartido mediante la coreografía de diversos elementos, que manipulan a tiempo real y que cobran su verdadera dimensión en la pantalla que los proyecta…

Beste artista batzuen proiektuetan kolaboratzaile bezala elkarrekin lan egiteko aukera izan duten arren, oraingoan Paralux eta Wilkinsonek propio elkarrekin lan egingo dute topaketa hauetarako, aspalditik zuten gogoari bide emanez. Biek dute ibilbide eklektikoa, beraien esperientzietatik abiatzen dira, bien artean sortuko duten unibertsoa eratzeko denbora errealean manipulatzen dituzten elementu ezberdinen koreografietan oinarriturik. Hauen benetako dimentsioa proiekzioa jasoko duen pantailak bakarrik erakutsi ahal izango du…

Ima Paralux
Una artesana de la imagen y la luz en movimiento. Hacedora de “live cinema” su trabajo, efímero, desaparece cuando se apaga la luz que lo proyecta. Ha colaborado con diversos artistas, y gran parte de su trayectoria la ha trazado junto al músico Tzesne, con el que ha participado en Festivales como Ertz, Sonikas, Mostra Sonora i Visual, Nokodek, Elektronikaldia, Støy på landet… entre otros

Ima Paralux
Irudi eta argi mugimenduaren artisaua da.” Live cinema” egilea izanik, bere lana efimeroa da, proiektatzen duen argia itzali orduko desagertzen da. Hainbat artistekin aritu izan da elkarlanean, eta bere ibildearen zati haundi bat Tzesne musikariarekin batera egin du; Ertz, Sonikas, Mostra Sonora i Visual, Nokodek, Elektronikaldia, Støy på landeten parte hartu dute beste batzuen artean.

Rebecca Wilkinson
Artista comunitaria que trabaja con técnicas de mosaico y collage. Realiza murales colectivos y coordina talleres (mosaico, cámara pinhole, fanzine). Ha formado parte de varios colectivos como Mikelazulo de Errenteria o Banda Bat de Donostia. Este año ha trabajado con un grupo de mujeres en proyecto de integración social a través del arte para diseñar y realizar una obra en el espacio público. Colabora habitualmente con la productora Zazpi t’erdi como directora de arte de sus películas. En sus directos utiliza objetos, tintas y luz para generar un código visual distinto cada vez.

Rebecca Wilkinson
Mosaiko eta collage teknikak lantzen dituen komunitate-artista da. Horma-irudi kolektiboak egiten ditu eta tailer desberdinak koordinatzen ditu ( mosaiko, phinhole kamara, fanzine). Hainbat kolektibotako partaide izan da, Oreretako Mikelazulo eta Donostiako Banda Bat kasu. Aurten, artean oinarritutako gizarte integrazio proiektu bateko emakume talde batekin aritu da lanean, hain zuzen espazio publikorako lan bat diseinatu eta burutzeko. Zazpi t´erdi produktorarekin lan egiten du maiz bere filmetan arte zuzendari modua. Bere zuzenekoetan, objetuak, tintak eta argia erabiltzen ditu, aldiro ikusizko kode berri bat sortzeko.

Larunbata Sábado 17
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
20 h
e-bol fest:
Soinu performaceak / sonic performances / performances sonoras:
Nicolas Hermansen “And suddenly an engine started” (Bélgicalas)
Sabina Hyoju Ahn “Breath” (Paises Bajos / Austria / Corea)

Nicolas Hermansen “And suddenly an engine started”
http://www.nicolashermansen.com

Eta, bat-batean, motor bat martxan jarri zen
Nicolas Hermansen artistaren zuzeneko soinu-interpretazioa da. Anplifikazio-sistema koadrafonikoa erabili eta interpretearen eta publikoaren arteko elkar-murgiltze harremana sortzen du. Sistema koadrafonikoaren erdian jartzen da artista, ikusleak inguruan dituela, harreman frontala desagerraraziz, zirkularrari lekua uzteko. Testuinguruak pertzepzioaren mundu bakarra sortzen du (artistaren espazioa / espazio publikoa dikotomiaren arabera erdibituta dagoenaren aurka). Bi motor elektrikok sortzen dute soinu guztia.

‘And suddenly an engine started’ is a live sound performance by the artist Nicolas Hermansen. It uses a quadraphonic PA system. It creates an immersive relation between the performer and the public. The artist stands in the middle of the quadraphonic system, the spectators are around him. The frontal relation disappears giving space to a circular one. This context gives birth to a single world (in opposition of a divided one: artist space / public space) of perception. All sound are generated by two electric motors.

Nicolas is a multidisciplinary artist. He’s the founder of La [SIC] a live performance arts group. His work, as a solo artist or with La [SIC] has been presented in many European countries and the USA. Nicolas Hermansen has a Master degree in Theatre studies. In 2016 his work has been presented at the Black Box Gallery(USA), at PAD Festival(DE), at Lightworks fest.(UK), at ODD Fest.(ES), in 2017, at Mutuo Gallery, PAF2017(USA), at Generate! Fest.(DE), MEM Fest.(ES), PAD anniversary fest.(DE)and in 2018, Festival In-Sonora (ES)

Nicolas Hermansen "Y de repente arrancó un motor"
"Y de repente arrancó un motor" es una interpretación sonora en vivo del artista Nicolas Hermansen. Utiliza un sistema de amplificación cuadrafónico. Crea una relación inmersiva entre el intérprete y el público. El artista se encuentra en medio del sistema cuadrafónico, los espectadores están a su alrededor. La relación frontal desaparece dando espacio a una circular. Este contexto da nacimiento a un mundo único (en oposición a uno dividido: espacio artista / espacio público) de la percepción. Todo el sonido es generado por dos motores eléctricos.

Sabina Hyoju Ahn “Breath”
http://www.sabinaahn.com

Soinu-argizko instalazio / performance / haize-instrumentu interaktiboa da Arnasa, DIY zirkuituez eta hondakin elektronikoez osatua, eta arnas humanoak operatua. Arnasa argi eta soinu bihurtzen da, eta moteltzen diren bonbillen argi gisa bistaratzen da arnasaldia.

Breath is an interactive light and sound installation/performance, operated by human breath. As a wind instrument, this work has been developed to control sound and light with human breathing, made of DIY circuits and e-wastes. Breath uses amorphous energy from the human body and transforms it into different shapes: breathe to light and sound, vitalising an inorganic object and shaping the narrative. This is contrary action to turn off lights (candle), however this can be interpreted as vitalising inor-ganic object. Human breathing is transformed into light and sound and the respiration is visu-alised by dimming bulbs. Individual’s breathing activates the machine from nonliving object and involves functioning.The piece has been made of electronic junks such as old telephone’s microphone and old PC’s metal frame to illustrate life from death and to allude a transformable relationship be-tween human/natural element and machine.To show the interactivity in real-time, moreover, the piece has been developed to a perfor-mative instrument that can be performed with live sound by my mouth and glitch-like sound from software. The progress has started from simple method and mathematics in code and switching between on and off to dimming by the intensity of my breath and combining acous-tic and electronic sound.

Sabina Hyoju Ahn is an artist who works with various media, sound and organic matters. She has broadened her artistic spectrum in New York, Seoul, London and The Hague. Sabina is a graduate of MA in Computational Arts at Goldsmiths University in London and Mmus in ArtScience at Royal Conservatoire & Royal Academy of Art, in Den Haag, Netherlands. Her research involves finding hidden rules and patterns in natural elements and translating it into different shapes of perceptual experiences. Her works have been shown in various places including Piksel festival (NO), Transmediale Vorspiel (DE), Mediamatic (NL), Athens Digital Arts Festival (GR), Mata festival (US), AMRO (AT), Lab 30 (DE), Mullae Seoul Art Space (KR), ACT Festival (KR) and she has been awarded NIME (New Interface for Musical Expression 2017) Best Sound Performance.

“Respiración” es una instalación / performance / instrumento de viento interactivo de luz y sonido, hecho de circuitos autoconstruidos y desechos electrónicos operado por la respiración humana. La respiración humana se transforma en luz y sonido y la respiración se visualiza al atenuar unas bombillas como si se tratara de velas.

Igandea Domingo 18
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21. 11 a 14 h
“Artbot” robot-artistak fabrikatzeko tailerra, Karla Tobar-ekin (Ekuador)
Taller de fabricación de robots artistas "Artbots" con Karla Tobar (Ecuador)

Inscripción imprescindibel. Plazas muy limitadas. Inscripciones en mexmfest@yahoo.es

http://www.copyordiscard.com

Asteartea Martes 20
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
13 h
Encuentro con la Red de Experiencias Creativas de Euskadi
, Karraskan.
http://www.karraskan.org
Presentación de AntEspacio, Sarean y MEM. 
Visita a la exposición Hierro, cemento y ruido industrial
y lunch.

Asteartea Martes 20
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
20 h
Proiekzioa / film projection / Proyección:
Tadeusz Chudy (Polonia) “Kinky”

https://vimeo.com/204955137

Klabezina jotzeko, ukimena izaten da zentzumenik garrantzitsuena. Ukimena komunikazio mota bat da, eta gainera primitiboena. Jendeak berbetan ikasi baino lehen, ukimenaren bidezko kontaktua irrikitzen eta bilatzen zuen. Pelikulak bere gorpuztasuna esploratzen ari den Olga klabezin-jotzailearen istorioa kontatzen du.

In playing the harpsichord touch is the most important sense. Touch is a way of communication - and a primitive one. Before man learns to communicate verbally, he craves and seeks touch. Film tells the story of Olga, harpsichordist who is exploring her own corporeality

Para tocar el clavicémbalo, el tacto es el sentido más importante. El tacto es una forma de comunicación, y además es la más primitiva. Antes de que el hombre aprendiese a comunicarse verbalmente, anhela y busca el contacto a través del tacto. La película cuenta la historia de Olga, clavecinista que está explorando su propia corporeidad.

https://czlonkowiefotobzik.wordpress.com/2017/05/08/tadeusz-chudy/

Asteazkena Miércoles 21
Facultad de Bellas Artes. UPV/EHU. Edificio 2
Barrio Sarriena s/n Leioa
12.30h
Presentación del cineasta experimental Slawomir Milewski (Polonia / Inglaterra)

Asteazkena Miércoles 21
BilbaoArte 19 h
Urazurrutia 32
e-bol fest:
Kontzertua / concert / concierto:
Jakub Pišek (SVK) “Hallogenerator”
Garazi Gorostiaga (EH)

Jakub Pišek (SVK) “Hallogenerator”
http://kubriel.servus.at/index.php?s=done

Etorkizuneko jai-robot dohakabe bati buruzko saga elektroniko multimedia dugu Hallogenerator. Robota garraioan zegoela, birus mutante batzuk hondatu egin zuten jendea ezabatzeko diseinaturik zegoen bere softwarea. Horren ondoren, robota ondo piztu da, baina jai-moduan besterik ez. Hallogenerator-ek konputagailuen mundu digitalaren eta pertsonen mundu biomorfikoaren arteko kontrastea azaltzen du, non bi aldeek kale egin eta aldi berean irabazten duten, testuinguru aurreikusezinezko atmosfera ilunean. Beren ahotsa digitalki hobetu nahi duten ekoizle, DJ eta pop kantarientzako ispilu bat jartzen du saioak (…)”

"Hallogenerator is a multimedia electro saga of fortuneless party robot from the future. His software, assigned for eliminating humans, has been corrupted by the virus mutants during the transport. The robot has been successfully booted but only in a party mode. Hallogenerator is displaying the contrast between the digital world of computers and biomorphic world of human where both parties are failing and winning at the same time in a dark atmosphere of the unpredictable context. Performance sets up the mirror to producers, DJs and pop singers, who want to enhance their vocal digitally. But the performance brings to the stage the essence of entertainment and intellectual content in musical form at the same time. It also peacefully attacks the technological literacy of the nation, the jazz police, and computer reliability. Performance wonders whether the custom experimental hardware and software belong on the stage, and it points the importance of their usage in a wider context. Old evergreens clad in the sound era of the 8-bit computers ignite the flame in every heart. You either love him or hate him. He guides you in the form of oddly functioning technique."

"Hallogenerator es una electro saga multimedia de un desafortunado party robot del futuro. Su software, asignado para eliminar humanos, ha sido corrompido por los virus mutantes durante el transporte. El robot se ha iniciado con éxito, pero solo en modo fiesta. Hallogenegator muestra el contraste entre el mundo digital de las computadoras y el mundo biomórfico de los humanos, donde ambas partes fracasan y ganan al mismo tiempo en una atmósfera oscura de contexto impredecible. La actuación es un espejo para los productores, DJ y cantantes pop, que desean mejorar su voz digitalmente. (...)"

Garazi Gorostiaga
https://soundcloud.com/garazigf

Bere burua ezagutzeko, bere bizipenak, ideiak eta emozioak adierazi eta askatasunez islatzeko, eta horiekin esperimentatzeko gaitasuna aurkitzen du Garazi Gorostiagak musika elektronikoan, ordenagailuetan, sintetizatzaileetan eta midiaren moduko hizkuntzetan. Musika sortzen duela urte asko badira ere, 2016tik aurrera hasi zen bere lana –dark ambient eta drone soinu eta estiloetara jotzen duena- publikoaren aurrean zuzenean proposatzen.

Garazi Gorostiaga encuentra en la música electrónica, los ordenadores, sintetizadores, cables e idiomas como el midi la capacidad de conocerse, expresar y plasmar con libertad sus vivencias, ideas y emociones y experimentar con ellas. Aunque la creación musical le acompaña durante muchos años, no es hasta el 2016 en el que propone su trabajo de cara al público y en directo, orientado a sonidos y estilos como el dark ambient y el drone.

Osteguna Jueves 22
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
20 h
Zinema hedatua: Miguel Puertas “Noctiluca”
Cine expandido:
Miguel Puertas “Noctiluca”
Zinema esperimental emanaldia: Slawomir Milewski
Proyección cine experimental:
Slawomir Milewski (Polonia / Inglaterra) "Bust of A Young Man" 4 min. "Nostalgia for Existing Without Delay" (2018) 1 hour 5 min

Miguel Puertas “Noctiluca”
https://vimeo.com/noctilucafilm

Grafikagintza Publizitario eta Argazkigitza Artistiko ikasketak egin zuen EAAn. 2006tik, Bruselako egonaldi artistikoetan trebatu izan da, hala nola Nepomuk, Le Moulin eta Les Mariniers izenekoetan, eta bertan ekin zion material filmikoa erabiltzeari eta proiekzio teknikekin esperimentatzeari. Gui ColleC fundatu zuen, eta horren barruan egin izan ditu bideo instalazioak eta Live Cinema piezak, Grezian, Belgikan eta Espainian. 2002tik, hainbat musikariren -Rainer Jancis, Owen Kilfeather, Floyd Addiction, Las Barbas Indómitas eta La Dette, besteak beste- zuzeneko emanaldietarako sorkuntza-lan bideografikoetan lan egiten du.

VITIA FUGITIVA 3 x 16mm, Color, B/N, Sonido en directo, ~30' Experiencia inmersiva de cine abstracto que pone de relieve los llamados defectos pasajeros de la visión. Un estudio a partir de lo que Goethe dio en llamar colores fisiológicos, esos fenómenos casuales que son condición indispensable de la visión, componiendo un intenso estado sin sitio, en el que las variaciones de sonido danzan junto a ondas lumínicas en un flujo de visiones electrizantes y poéticas. Formalmente es creada en directo en una experiencia única que se compone en un acto de multiproyección analógica a partir de film en 16mm, lentes, prismas y filtros, donde el proyector también es usado como transductor de luz a sonido.

Cursó estudios de Gráfica Publicitaria y Fotografía Artística en la EAA. Desde 2006 se ha formado en residencias de arte de Bruselas tales como Nepomuk, Le Moulin y Les Mariniers. Allí se inicia en el uso del material fílmico y en la experimentación con técnicas de proyección. Fundador de Gui ColleC, con el que ha realizado video instalaciones y piezas de Live Cinema en Grecia, Bélgica y España. Desde 2002 trabaja en creaciones videográficas para el directo de músicos como, Rainer Jancis, Owen Kilfeather, Floyd Addiction, Las Barbas Indómitas o La Dette, entre otros.

Slawomir Milewski "Bust of A Young Man" & "Nostalgia for Existing Without Delay" (2018)
https://www.brownpapertickets.com/event/3395597

Atzerapenik gabe existitzearen oroimina.
Nork bere bizitza geroratzeko ohiturarekin lotutako alderdiei buruz hausnartzen du filmaren autoreak. Horrek egoera eta modu absurdoetan jartzen ditu pertsonaiak, beren buruaren irrimarra bihurtzen direla. Slawomir Milewski Londresen bizi den artista poloniarra da, 1979an jaioa. Ikasketak Poznan-eko (Polonia) Arte Ederretako Unibertsitatean egin zituen, eta Renneseko (Frantzia) Rennes 2 Unibertsitateko beka bat jaso zuen. Bere pelikulak hainbat festibaletan eta erakusketatan aurkeztu eta saritu dira, Ipar eta Hego Amerikan zein Europan eta Australian.

Nostalgia for Existing Without Delay (Poland 2018) 1 hour 5 min In the film the author wonders about the aspects of the fact that people use to postpone their lives for later - which put characters into absurd situations or states in which they become their own caricatures. Following Georges Batailles assumption to whom the film work is in some way dedicated the summit of any sense is a nonsense. In this way non-sense is not anti-sense but it appears to have its own value which Nostalgia for existing without delay joyfully advocates.

Slawomir Milewski is a London based Polish artist and filmmaker, born in 1979. He completed his Master degree at University of Fine Arts in Poznan, Poland. He was awarded a scholarship by Universite Rennes 2 in Rennes, France. His films has been presented and awarded at numerous festivals and exhibitions in North and South America, Europe and Australia.

"Nostalgia por existir sin demora"
En la película, el autor se pregunta sobre los aspectos que las personas utilizan para posponer sus vidas para más adelante. Esto pone a los personajes en situaciones absurdas o estados en los que se convierten en sus propias caricaturas.

Slawomir Milewski es un artista y cineasta polaco residente en Londres, nacido en 1979. Completó sus estudios en la Universidad de Bellas Artes de Poznan, Polonia. Recibió una beca de la Universidad Rennes 2 en Rennes, Francia. Sus películas han sido presentadas y premiadas en numerosos festivales y exposiciones en América del Norte y del Sur, Europa y Australia.

Ostirala Viernes 23
BilbaoArte.
Urazurrutia 32
19 h
e-bol fest:
Kontzertua / concert / concierto:
Neur(o)n (Catalunya)
Mikel Beizama “Hezurra” (EH)

Mikel Beizama “Hezurra”
https://hezurra.bandcamp.com/releases

Hezurrak noise atmosferak sortzen ditu. Batzuetan egituratuak; besteetan, efektu-pedalek prozesatutako sintetizatzaile analogikoak eta DIY kontaktu-mikroak erabiliz inprobisatuak. Pizti kontrolagaitza.

Hezurra genera atmósferas noise, a veces estructuradas y en otras improvisadas a base de sintetitzadores analógicos y micros de contacto DIY que a su vez son procesados mediante pedales de efectos. Una bestia difícil de controlar.

Neur(o)n es Marc Badosa, músico y técnico de sonido de Girona. Un manipulador sonoro que ha estado presente en algunos de los certámenes más destacados del género como el Sónar 2011 y que ofrecerá en el MEM un live exclusivo con el modular que promete ser un viaje sensorial. Oscuridad minimal. Drones oscuros y minimalistas con toques de distorsión combinados con grabaciones de campo, fragmentos tomados de la radio, la tv, sintetizadores y cualquier otra fuente sonora para llevar al oyente a lugares muy poco familiares. Con su hermano Man-L, actualmente residente en Berlín, editaron un par de álbumes de minimal techno bajo el alias de Roger Brothers para el sello Trazable Recordings. Debutó en solitario en el 2010 con el oscuro y claustrofóbico Planet Fendor que editó en 2010 el sello catalán Imaginary Nonexistent Records. En 2013 editó con el sello noruego Petroglyph Music su segunda referencia, Isolated Drones. En julio del 2104 editó un split K7 con el músico británico Timothy C Holehouse. https://youtu.be/TVBDdZXOn6A

Larunbata Sábado 24
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.
20 h
Urbanbat MEM extravaganza:
http://7festival.urbanbat.org

LIMPIADOR MULTIUSOS STAGE vol.2. Remezcla audiovisual en directo: Black Monuments

Igandea Domingo 25
MEM Exhibition Hall.
Bailen Kalea 21.

Vermut fin de MEM

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Kontzertua / concert / concierto: SUSPENDIDA LA ACTUACION EN SHAKE! POR PROBLEMAS PERSONALES DE
Escape-ism (Ian Svenonius, Make UP) (Washington DC) “The lost record”



Escape-ism (Ian Svenonius, Make UP) (Washington DC) “The lost record”
https://escape-ism.bandcamp.com/album/the-lost-record-2

Ian Svenonius-en bakarkako proiektua, The Make Up, Chain and the Gang edo Nation of Ulysses taldeetako frontman bikaina izan ondoren. Oraingo honetan Ian Svenoniusek The Lost Record disko atera berria aurkeztu nahi digu, Escape-Ism-en kultuko eta galdutako albuma izan nahi duen lana. Rock’n’roll primitiboenetik abiatuz Svenoniusek bere neurrira sortutako crooner irudian barneratzeko aukera emango digu album horrek.

Ian Svenonius, incansable creador, es el autor de Supernatural Strategies for Making a Rock‘n’Roll Group (Estrategias sobrenaturales para montar un grupo de rock, traducido y editado en España por Blackie Books), The Psychic Soviet, y Censorship Now!!, cantante de The Make Up, Chain and the Gang, Nation of Ulysses; escritor y director de What Is A Group? (el único documental de explotación del mundo sobre rock‘n’roll y ciencia ficción), y el presentador de Soft Focus, el programa de entrevistas entre músicos que precedió a muchos imitadores posteriores.

Escape-Ism reinventa el rock‘n’roll de la misma manera que el motor reinventó la manera de viajar. Es una respuesta fascinante y terrorífica a la escena actual, llena de propuestas sin contenido y de tediosas rabietas de tumblr. Es lo único que podría salvar la música en directo de caer en un pozo de sinsentidos, egomanía y desinterés general.

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MEM jaialdia, musika, arte, dantza, zine eta bestalako abangoardia adierazpenen naziorteko jaialdia da. Bilboko kultur eskaintza osatu eta hiriaren dinamikotasuna sustatzeko helburuaz sortzen da, ekonomi nahiz kulturaren hedapen eta birsortze eremu batetan. MEM jaialdiak euskarri anitzak erabiliz ekintza ezberdinen arteko sinergia bultzatzen du transgresioaren bitartez. MEM jaialdiak nazioarte mailako izatea bertokotasunarekin uztartzen du, jaialdian parte hartzen duten artista eta talde ezberdinen arteko hartu emanak sortzeko; munduko hainbat lekutan burutzen diren proposamenak Bilbora hurbildu eta aldi berean esparru eta eremu ezin hobean bertoko ekoizpen interesgarrienak agertarazi eta taularatzen ditu. MEM jaialdiak duen berezko izatea eta baita lan egiteko jarrera, bere helburu eta nortasunaren atal bat da. Euskarri teknologikoaren bitartez aurkezten da jaialdia, aukeratutako gune eta espazioak Bilbo hiriaren bihotzean kokatzen direlarik eta hiria beraren izate eta identitatea mantentzen dute, baita aldiberean jarrera eta “arrisku” berriak planteatuz. MEMek cyberpunkaren imagionariotik egiten du lan, hiriaren iraganai, oraina eta geroa batzen dituelarik. Aipatu behar dugu MEM jaialdiak punk mugimenduaren izatean duela bere jatorria, baita “do it yourself” leman, kontrakultura mugimenduan eta berauen arteko ausnarketa eta erreflexio bideak lotuta. Honekin batera aipatu behar da nola gaur egun azaltzen den errestazuna produkzio artistiko eta kultural berrietara, teknologí'eda merkeago bat ahalbideratuz eta era berean anitza dena, zeinekin musika, bideoa, on line eta off line argitalpenak, eta Portu eta bultzatu ahal direlarik. Euskarri horien erabilera errazak mundu globalizatuarekin lotuta, euskarri eta medioaren inguruko ausnarketak egitera garamatza eta honekin batera, publikoarekin sortzen den interakzioa nolakoa den ausnartzera.

MEM is an annual cultural festival celebrating local and international electronic, extreme and experimental acts. MEM festival happens in November in Bilbao (Basque Country ­ Spain). There you can find dance, theatre, music, environment art, video, film, net-art, performance, readings, master classes and a lot of fun. MEM support transgressor projects in a moment in which creation don¹t take many risks. MEM combine high technology with a counter-culture view, punk heritage, "do it yourself", and thought and criticism. MEM state a Bilbao between two worlds, a reminiscence of industrial pollution and a new Bilbao of the information era and new technologies. MEM combine international and local views, looking for a fruitful dialogue among all different participant artists. MEM show aggressive and experimental projects that other festivals hardly hold in, but it¹s hardly valued the conceptual reflection, artists meetings and ludic moments. MEM is critical, transgressor and funny festival.

MEM es un Festival Internacional de Arte Experimental que se desarrolla en Bilbao, abierto a danza, música, performance, artes escénicas, pintura, escultura, dibujo, instalación, new media, arte sonoro, net-art, publicaciones, cine, video, fotografía,… MEM defiende la pluridisciplinaridad a través de proyectos transgresores en un momento en el que la creación toma muy pocos riesgos. MEM combina lo internacional con lo local buscando un diálogo fructífero entre los diferentes artistas participantes; acercar a Bilbao propuestas que se hacen en otros puntos del planeta y a la vez mostrar dentro del mejor marco algunas de las producciones locales más interesantes. A través de la presencia de artistas y expertos en arte internacionales en el festival se consigue difundir el trabajo de los artistas vascos en el exterior, creando redes y contactos. Esto se facilita a través de las sesiones de networking y los encuentros que se programan a lo largo del festival. El modo en el que MEM presenta y trabaja es una parte importante de su apuesta e identidad. MEM es un festival organizado desde y para Bilbao, es por esto que su identidad y campo de interés están totalmente ligados al de la ciudad. Un Bilbao entre el recuerdo de la contaminación industrial y el de la era de la información y las nuevas tecnologías. MEM trabaja desde un imaginario cyberpunk, ese cruce de la higiene de la tecnología punta con el paisaje que nos rodea de manera cotidiana, de ruinas industriales, contaminación y ruido. …nuestro paisaje más próximo. Aunque Bilbao a día de hoy se presente a través del Museo Guggenheim y el Parque Tecnológico de Zamudio los espacios elegidos están enclavados en el corazón de la ciudad y conservan la memoria de nuestra villa, planteándonos simultáneamente nuevos retos. MEM cruza las ideas antes mencionadas entre Bilbao y la tecnología punta con la herencia del punk, el "do it yourself" y lo contracultural con elementos de reflexión y crítica. En relación a la temática de las producciones que presentamos es importante comentar que la proliferación y el acceso a nuevos modos de producción ha abaratado la tecnología necesaria para poder tener en casa el equipo necesario para producir música, vídeos, publicaciones on-line y off-line. Esta accesibilidad junto con un mundo globalizado, interconectado, lleva a reflexiones en torno al mismo medio, a cómo comunicar y qué relación se establece con el público.